SERIES MÁS SIGNIFICATIVAS

En esta selección de algunos de los principales hitos en la cronología de la animación.no pretendimos ser exhaustivos, aunque sí abarcadores. Hay tres exclusiones de las cuales el lector debe ser advertido: la animación en Latinoamérica; apenas aparecen referencias a otros países del Tercer Mundo, de Asia y África (fue casi imposible rastrear esos acontecimientos en las fuentes a nuestro alcance); y la historia de Walt Disney y sus herederos, los cuales son sistematizados en otros textos incluidos en esta edición de Miradas. Respecto a esta última, preferimos separarla precisamente debido al exceso de información disponible al respecto. Ordenamos los acontecimientos cronológicamente para develar mejor la dinámica evolutiva.

1900: El ilustrador y periodista británico Stuart Blackton realiza The Enchanted Drawing, un ejemplo de protoanimación consistente en trucos de sustitución, estilo Meliés. Este paso tuvo lugar gracias al encuentro de Blackton con Albert E. Smith, Edison y los fundadores de la Vitagraph.

1903: El dibujante norteamericano John Randolph Bray crea la serie Little Johnny and His Teddy Bears. A mediados de los años diez fundaría un estudio y realizaría la serie del Colonel Heeza Liar.

1906: Stuart Blackton crea Humorous Phases of Funny Faces, considerado el primer dibujo animado de la historia, puesto que los movimientos de los personajes se consiguen por la sucesión rápida de los fotogramas.

1907: Haunted Hotel, de Stuart Blackton, se concibió con la técnica del stop motion e introdujo la animación de objetos en tres dimensiones. En esa misma línea estaba Hotel Eléctrico, del célebre director de fotografía Segundo de Chomón, incluida en la historia de la animación por su ingenioso empleo de animación tridimensional.

1908: Fantasmagorie (La pesadilla de Fantoche), de Emile Cohl, es considerado por muchos el primer dibujo animado de la historia del cine, y el primer personaje al cual se le consagraría más de un filme. Entre 1908 y 1921, Cohl realizó 250 animados, todos inspirados por la filosofía del grupo de Los Incoherentes, quienes estaban convencidos de que la locura, las alucinaciones, los sueños y las pesadillas eran la mayor fuente de inspiración estética.

The Sculptor’s Nightmare, de Billy Bitzer, utilizaba el stop motion para hacer que bustos y estatuas aparezcan riéndose y hasta fumando.


1909: El dibujante y caricaturista Emile Cohl combinó personajes de carne y hueso con animados en Clair de lune espagnol. Cohl fue el primero de los grandes pioneros de la animación, sobre todo a partir de figuras concebidas en trazos blancos sobre fondo negro.

Arnaldo Ginna crea la técnica de pintar directamente sobre celuloide, que luego adoptarán Len Lye y Norman McLaren. Ginna opinaba que el color y las formas podían mostrarse igual que los motivos musicales de una pieza.

1911: La venganza del camarógrafo (1912), del ruso Wladislaw Starewicz, es obra maestra del stop motion con figuras en tercera dimensión, en este caso escarabajos disecados. Starewicz es el maestro indiscutido de la animación en su Rusia natal (donde realizó en 1910 la primera animación: Lucha de los ciervos volantes) y en Francia, donde se radicó luego de 1920.

Windsor McCay establece la tira cómica Little Nemo in Slumberland. Poco después fue el autor de The Story of a Mosquito (1912), tal vez el primer filme animado de horror. McCay fue llevado por Blackton al mundo del dibujo animado, adonde trasladó el personaje de Little Nemo que había creado en las historietas.

1912: A partir de este año, y hasta 1914, Emile Cohl realizó en Estados Unidos la serie de los Snookums, y de regreso a Francia, en 1918, Los pies niquelados. También hizo Los alegres microbios (1910-1911), La lámpara que humea, filmes de trucos a partir de conferirle falsa movilidad a los objetos (Las cerillas animadas) y una versión de Fausto con muñecos.

1913: John Randolph Bray produce The Artists Dream e inicia la serie de Colonel Heeza Liar, en la cual ya se emplean buena parte de las técnicas al uso en la producción de animados, que Bray inventó y patentó.

Mutt and Jeff llevaba a la pantalla grande, gracias a Charles Bowers, las historietas creadas por Harry Fisher, quien se mantendría como figura protagónica del dibujo animado hasta bien avanzados los años veinte. La serie incluyó unos 500 animados, hasta que finalizó en 1928.

El canadiense Raoul Barre funda su propio estudio y desarrolla una técnica de animación basada en el rasgado y recortado para lograr diversos niveles en la imagen.

1914: John Randolph Bray continúa la serie Colonel Heeza Liar, gracias a que en ese entonces se podía pensar en la producción en serie de dibujos animados, valiéndose del invento conocido hoy como Cel-Systems (sistema de acetatos), atribuido a Bray y también a Earl Hurd. Ambos se unieron y formaron la Bray-Hurd Process Company.

Windsor McCay realiza su filme más famoso, Gertie the Trained Dinosaur, que realizó él mismo cartón por cartón, y que contenía diez mil cuadros. El filme consolidó su técnica de animar los movimientos intermedios entre dos posiciones extremas.

1915: Max Fleischer inventa el rotoscopio, procedimiento que permite reimprimir la película y, por tanto, que aparezcan juntos personas y objetos reales con dibujos animados. Al año siguiente, Max, junto a su hermano Dave, comienzan la serie Out of the Inkwell (Fuera del tintero), protagonizada por el payaso Koko, que tendría una presencia hasta 1930.

La International Film Service era apoyada por los periódicos de Hearst y empleaba las tiras cómicas que publicaban en estos periódicos, como Krazy Kat and the Katzenjammer Kids, supervisados por Gregory La Cava, luego realizador de ficción. La animación norteamericana se concentra en Nueva York hasta finales de los años veinte y principio de los treinta. La Guerra Mundial abatió las escuelas de animación y preparó el predominio norteamericano, una situación que se confirmó luego de la II Guerra Mundial.

1916: Comienza la serie Kapten Grogg, de Víctor Bergdahl, la figura más destacada de la animación en Suecia.

Earl Hurd realiza la serie de Bobby Bumps, Paul Terry las primeras ediciones de Farmer Al Falfa, y Raoul Barré los cartoons de Grouch Chaser. Barré se uniría luego con Charles Bowers en la producción de Mutt and Jeff, realizada por Bud Fisher.

1917: Se exhibe el primer largometraje de dibujos animados, la película argentina El apóstol, de Quirino Cristiani, uno de los principales pioneros de esta manifestación no solo en Latinoamérica.

Ever Been Had?, del británico Dudley Buxton, se adelanta al trabajo de este animador con Anson Dyer en John Bull’s Animated Sketchbook (1920), Three Little Pigs (1922) y Little Red Riding Hood (1923).

1918: Windsor McCay fue el creador del primer animado para adultos, The Sinking of the Lusitania, también considerado el primer documental o filme de propaganda animado, con 25 000 cuadros, en un estilo muy realista, pictórico y sorprendente. McCay concluye su carrera con tres filmes de una serie titulada Dream of the Rarebit Fiend (1921).

A estos años pertenecen los primeros trabajos de los pioneros animadores japoneses: Oten Shimokawa (El portero), Junichi Kouchi (El sable nuevo y flamante) y Seitaro Kitayama (La guerra de los monos y los cangrejos, Momotaro), quienes procedían de la historieta o de las artes plásticas.

1919: Lotte Reiniger, animadora de sombras chinescas de origen alemán, presenta su primer filme, El ornamento de un corazón enamorado, realizado a partir de las sombras chinescas proyectadas por títeres.

John Randolph Bray dirige el primer animado bicromático The Debut of Thomas Cat, pero el procedimiento se juzgó demasiado caro para uso comercial.

Richard Collard, conocido por su seudónimo de Lortac, establece lo que puede denominarse la organización corporativa de la animación en Francia.

1921: Los hermanos Fleischer se separan de John Randolph Bray y crean su propia compañía, donde Max fungía como creador de ideas y productor, mientras Dave era el director artístico del estudio. Le dieron vida al payaso Koko, y al perro Bimbo, y en 1931, a la más famosa vampiresa del dibujo animado, la lasciva Betty Boop, mientras que la serie de Popeye, el marino devorador de espinacas, duró de 1933 a 1947. Los Fleischer realizaron animaciones instructivas: The Einstein Theory of Relativity (1923) y Darwin’s Theory of Evolution (1925), brillantes filmes didácticos.

Paul Terry realiza su serie más famosa: Aesop’s Film Fables. Terry fue pionero en casi todas las técnicas de animación desde 1915, y sobre todo a partir de los años veinte, en la Paramount: Ugly Ducking (1925), Queen Bee (1929), The Bull Fight (1935), The Mouse of Tomorrow (1942), y varias decenas más.

Aparece el filme abstracto Opus I, de Walter Ruttman, el mismo año en que el alemán Hans Richter realiza la también abstracta Ritmo 21, que demostraba la influencia del cubismo o más bien de la animación de superficies planas.

1922: Otto Messmer y Pat Sullivan hacen Felline Follies, el primer animado de Felix the Cat, que a principios de los años veinte contaba con un episodio cada quince días. La mercadería de muñecos, relojes, y demás objetos alusivos con la imagen del gato sembró el camino para este tipo de mercado, desarrollado hasta el delirio por la Disney mucho después. A Messmer no se le reconoció la autoría hasta muchos años después.

1924: Walter Lantz comienza a producir, en la compañía de Bray, la serie de Dinky Doodles. Luego, ya con la Universal, se apoderó del disneyano Oswald the Lucky Rabbit y lo convirtió en héroe de una serie a partir de 1928.

Ballet Mecanique, del pintor Fernand Leger, incluyó animación, pintura directa sobre filme, efectos especiales estilo Melies.

Los hermanos Fleischer le dan forma a The Song Car-Tunes, donde los animados respondían a canciones de moda, con el texto subtitulado y una bolita que permitía seguir la letra por donde iba el cantante.

1925: Fallece el pintor dadaísta sueco Viking Eggeling, poco después de que el público pudiera apreciar su Sinfonía diagonal, tal vez el único filme abstracto de animación que contó con un estreno público.

Willis O’Brien perfeccionó la técnica de animar figuras en tercera dimensión (inspirado en el trabajo del ruso Starevich con modelos de arcilla) mediante el stop motion de Lost World, precedido por varios filmes de títeres animados y seguido por el gorila animado de King Kong, todos debidos a O’Brien.

1926: Aparece lo que sería considerado, durante décadas, el primer largometraje de dibujos animados: El príncipe Achmed, de Lotte Reiniger, confeccionado a partir de sombras chinescas. A Reiniger se deben también Carmen (1933), El corazón robado (1934) y Papageno (1935).

1927: La cigale et la fourmi y La reine des papillons, del ruso Wladislaw Starewicz, llamado en Francia Ladislas Starewitch.

Noburu Ofuji anima La ballena desde la técnica del papel semitransparente, por lo que el resultado recuerda el silueteado de Reiniger. Otro japonés, Yasuji Murata emplea acetatos en El hueso del pulpo, donde recreó un mundo de animales antropomórficos similar a Disney.

1928: Dinner’s Time, de Paul Terry, es tal vez el primer dibujo animado sonoro (mediante sincronización), pero fue opacado por los experimentos de Disney.

El primer cartoon porno, Everready Harton in Buried Treasure, fue realizado en Nueva York por un puñado de notables como Max Fleischer, Walter Lanz y Paul Terry, como regalo de cumpleaños para McCay.

1930: Son terminadas las dos primeras partes de la serie Studie (hasta 1932), de Oskar Fischinger, un pintor afiliado a la abstracción cuyo estilo fue autodenominado “animación absoluta”. Sus filmes en colores Muratti Marches on y Composition in Blue, de 1936, obtendrían notable acogida en Hollywood. Colaboró en la realización de Fantasía (aunque retiró su crédito) y, a finales de los años cuarenta, realizó las famosas Motion Painting I y II.

Nacen los Warner Brothers Cartoons con el corto Sinking in the Bathtub. Harman, Ising y Freleng, todos antiguos colaboradores de Disney, comenzaron este apartado dirigidos por Leon Schlesinger. Cada corto animado debía contener una canción, de ahí la serie de Looney Tunes, a imitación de las Silly Symphonies disneyanas.

Los Fleischer presentan el personaje de Betty Boop en Dizzy Dishes. El creador del personaje fue Grim Natwick, quien también animó a la Blancanieves disneyana. La acompañan regularmente el perro Bimbo y el payaso Koko, y le ponía voz Mae Questel. En dos años le agregarían ocasionalmente a Popeye The Sailor.

1931: Lady Play Your Mandolin fue el primero de los Merrie Melodies, otra parodia de las Silly Simphonies disneyanas, y fue ejemplo consumado de la relación entre la música y la animación, como precursores de los pop videos.

El mundo del poder y de las mujeres, de Kenzo Masaoka, fue el primer animado sonoro japonés. En 1935, Mitsuyo Seo, uno de los grandes pioneros en este país, realizó el propagandístico Las tropas de asalto de Sankichi, en torno al conflicto chino-japonés.

1932: Une nuit sur le Mont Chavre, de Alexandre Alexeieff, es la obra mayor del genial grabador, ilustrador y decorador ruso, radicado en París desde 1920. Realizada en conjunto con Claire Parker, quien lo acompañaría en el resto de su filmografía, este filme se inspira en la música de Mussorgski, que también sirvió de base a un episodio de la Fantasia disneayana. La animación se obtenía mediante una pantalla llena de alfileres, cuyas cabezas componían las figuras en un estilo puntillista, y se retrataban cuadro a cuadro, creando ilusión de movimiento y de acción.

Paul Terry genera los Terrytoons, cuyo primer animado fue Caviar, pero tendría larga vida como serie, en la cual fueron presentados personajes como Mighty Mouse y Heckle and Jeckle; en 1958 pasaría a la TV.

El checo Berthold Bartosch realiza La idea, sobre el principio de la animación por sustracción de fotogramas. Duraba media hora y tenía partitura de Arthur Honegger. Bastosch luego se concentró en el cine experimental, para dedicarse definitivamente a la pintura durante sus últimos años.

1933: El pintor y dibujante escocés Norman McLaren da forma a las primeras animaciones vanguardistas dentro de la unidad de dibujos animados formada por Grierson, en Londres: Hand.Painted Abstraction (1933), Camera Makes Whoopee (1935), Colour Cocktail (1936).

1934: Iván Ivanov-Vanó fue uno de los destacados pioneros de la animación soviética cuya plástica detallada y flexible le ganó amplio prestigio internacional. Uno de sus trabajos más conocidos en Occidente fue El zar Durandai (1934), seguido por La cigarra y la hormiga (1936) y Los tres mosqueteros (1938).

Se crea en París la DAE, Dibujos Animados Europeos, que confirió notable impulso al desarrollo ulterior del género en Francia, Italia, Polonia, Alemania y Checoslovaquia.

Primera Merry Melody en colores de la Warner, pues los Looney Tunes fueron en blanco y negro hasta 1943. En los años cincuenta, los ejecutivos de la Warner decidieron quemar casi todos estos filmes, pues necesitaban espacio de almacenaje.

La MGM estrena su primer animado de Harman-Ising, The Discontented Canary, dentro de las llamadas Happy Harmonies.

1935: Colour Box, de Len Lye, es una de las primeras obras maestras de la animación británica, resultado de pintar directamente sobre el celuloide con una técnica que luego heredaría Norman McLaren. Lye también realizó documentales, vinculado al British General Post Office, donde laboraban Grierson, Cavalcanti, Reiniger y McLaren, entre otros.

Alexander Ptushko fue el principal abanderado del cine fantástico en la Unión Soviética de Stalin. En 1935 realizó El nuevo Gulliver, versión ideologizada de Swift, en la cual se combinaban a la perfección figuras reales y animados en tercera dimensión (muñecos moldeados en cera). En 1939, Ptushko realizó el filme de marionetas La llave dorada.

I Haven´t Got a Hat, primer éxito de Porky Pig, dentro de las Looney Tunes, estaba firmado por Fritz Freleng (aunque no fue el creador del personaje) como uno de los Tres Mosqueteros que protagonizaron la animación de la división de animados en la Warner, junto con Chuck Jones y Bob McKimpson.

Ub Iwerks adapta el cuento The Brave Tin Soldier, de Hans Christian Andersen, para sus Comicolor Cartoons. Iwerks fue uno de los principales artistas que laboraron con Disney (hasta 1930, cuando abrió su propio estudio con Flip the Frog) y luego en la Warner (hasta 1940). Fue el creador de Jack and the Beanstalk (1933), Don Quixote (1934), Aladdin and the Wonderful Lamp (1934), Humpty Dumpty (1935), The Three Bears (1935), Ali Baba (1936), The Frog Pond (1938) y muchos otros.

1936: Tex Avery asume en la Warner el personaje de Porky. Esta división era comandada por Leon Schlesinger, productor de las series de cortos tiluladas Merry Melodies y Looney Tunes. En su departamento de animación se desarrollaron Fritz Freleng y Tex Avery (Porky Pig, en los años treinta), Chuck Jones (El Correcaminos, a finales de los años cuarenta) y Robert McKimson (Speedy González, en los cincuenta).

Kaleidoscopio (1936), Rainbow Dance (1937) y Trade Tatoo (1938) confirmaron a Len Lye como el máximo exponente del cine hecho sin necesidad de cámara, sino diseñado directamente sobre celuloide.

Walter Lantz trasciende en la historia del dibujo animado por haber creado, en un mismo año, al oso Andy Panda y a Woody Woodpecker, El pájaro loco, que tendría luego larguísima vida en televisión. El primer animado popular de El pájaro loco fue Knock, Knock, en 1941.

Los hermanos Ferdinando y Francesco Cerchio impulsaron la animación en Italia con Nocturno (1932) y Teorema de geometría (1936).

1937: Primeros grandes triunfos de Tex Avery en la Warner con el personaje de Duffy Duck y las Gold Diggers. Avery introdujo un toque de anarquismo surrealista en una época dominada por sus contemporáneos Chuck Jones y Fritz Freleng. En la Warner, Robert Clampett trabaja en Porky, Avery en Daffy Duck y Chuck Jones debuta con The Night Watchman.

William Hanna realiza para la MGM la serie The Captain and the Kids.
Los Fleischer presentan Popeye The Sailor meets Simbad the Sailor, rodada en plataformas o escenarios cuyos fondos eran modelos en tres dimensiones sobre los cuales se colocaban los personajes dibujados en cristales transparentes.

Norman McLaren crea el abstracto Love on the Wing, anuncio para el correo aéreo, y en 1939 hace Allegro.

1938: Chuck Jones fue la principal fuerza motriz en el periodo dorado de animación de la Warner, entre 1935 y 1959. Su primer filme fue The Night Watchman (1938), muy influido por Disney. Poco después creó el personaje de Sniffles, un ratoncito parlanchín. Bob Clampett era otra de los principales en la Warner. Su aporte fue decisivo a Porky, Daffy Duck, Bugs Bunny y creó al canario Tweety.

1939: El primero de los largometrajes de los hermanos Fleischer fue Los viajes de Gulliver (su último gran éxito, en 1939), y luego produjeron Mr. Bug goes to Town (1941). A principios de los cuarenta harían la serie de Superman.

Mary Ellen Bute produce, junto a McLaren, Spook Sport. Este mismo año se crea el National Film Board of Canada, que apoyaría los mejores trabajos de McLaren a partir de 1941.

Por su lenguaje pacifista destacó Peace on Earth, de Hug Harman, que mezcló animación “bonita” a lo Disney con fragmentos de documentales reales.

1940: Se inicia la serie de los Puppetoons, de George Pal, contratado por la Paramount, que revolucionó la animación tridimensional por el empleo de los “repuestos”. Se fabricaban piezas de repuesto, que ilustraban un movimiento del personaje, para sustituir unas con otras, de modo que al ser fotografiadas en serie simulaban el movimiento.

Muy influidos por el Bauhaus, John Halas, junto con Joy Bachelor, fueron los dos artistas que más hicieron por reforzar la tradición británica del dibujo animado. En este año establecieron el Halas and Bachelor Studios, que se añadía al Larkin Studio, en el cual se anticiparon al animado estilo UPA.

Wild Hare, de Tex Avery, define el personaje de Bugs Bunny, supremacía humorística del estilo Warner. También participaron en la definición de este estilo Chuck Jones, Bob Clampett, Fritz Freleng y Frank Tashlin, quien luego dirigió cine de ficción, sobre todo comedias con Jerry Lewis.

La animación china genera uno de los primeros largos animados: La princesa de los puños de hierro, de los hermanos Wan, apoyados en los estudios de Shanghai y en un estilo semidisneyano. Había sido precedida por Canciones de la guerra contra Japón (1938).

William Hanna (1910) y Joseph Barbera (1911) se unen en la MGM, sobre todo a partir de Tom and Jerry, que alcanzaría 200 capítulos, veinte años en pantalla y recibiría siete premios Oscar, y cuya primera entrega fue en 1940: Puss Gets the Boot. Hanna se ocupaba de las historias en su conjunto; Barbera era quien ideaba los gags.

1941: Los hermanos Fleischer introducen una serie de elementos hiperrealistas en la realización de Superman, que osciló entre los gráficos de las historietas, la abstracción más moderna y la verosimilitud naturalista.

La checa Hermina Tyrlová, esposa de Karel Dodal, el iniciador de la animación con títeres en El secreto de la linterna (1935), entrega uno de sus más populares filmes: La hormiga Ferda.

The Fox and the Crow fue un muy notable dibujo animado realizado por Frank Tashlin para la Columbia, dentro de la serie Screen Gems.

1942: Hans Fischerkoesen fue el animador alemán más importante de este periodo, pues supo beneficiarse de los fondos estatales, la experiencia artística y los adelantos tecnológicos para retar metafóricamente los principios del nacionalsocialismo en Melodía golpeada por el tiempo (1942), El hombre de nieve (1943) y El ganso tonto (1945).

La Paramount adquiere el estudio de los Fleischer y se crea el Famous Studios, donde se continúan haciendo las series de Popeye y Superman, ahora con un giro a las preocupaciones antiguerreristas.

1943: Dollar Dance y Hen Hop, de Norman McLaren, marcan también la fundación del departamento de animación, al interior del National Film Board canadiense, donde McLaren experimentaría prácticamente con todas las técnicas de animación: pintar sobre celuloide, la pixilación, animación con foto fija de seres humanos, la slow motion, el filme estereoscópico, etc. Muchas de ellas, dedicadas a mostrar las metamorfosis de una figura en el tiempo.

John Whitney creó, junto con su hermano James, Five Abstract Film Exercises, una experiencia vinculada a la vanguardia, en la variante llamada “cine puro”, relacionada más con la plástica cinética y la fotografía que con lo que se entiende convencionalmente como animación. En 1941 habían realizado Variations, a partir de los movimientos de las bandas sonoras, y en 1957, los Whitney consiguieron los primeros gráficos analógicos en computadora.

Tex Avery consolida sus temas claves de sexo, velocidad, estatus y antiDisney en Red Hot Riding Hood, revisión del cuento clásico. Alcanzaría el epítome de su humor negro y de su nihilismo surrealista en King Size Canary (1947) y Bad Luck Blackie (1949).

1944: Los japoneses también hacen animados de propaganda: Momotaro marinero valiente, de Mitsuyo Seo, presenta a la inversa la perspectiva norteamericana: un grupo de humanos y animales que marchan a la victoria sobre los norteamericanos cantando felices melodías. El filme tuvo secuela en Momotaro, Divino marinero, primer largometraje japonés.

En Gran Bretaña apenas prosperó la serie Animaland, fundada por la Rank Organisation, para captar al disneyano David Hand, director de Blancanieves y Bambi.

1945: Se forma la UPA (United Productions of America) por un grupo de artistas que decidieron separarse de la Disney y cultivar un estilo contrapuesto al de la Factoría. Pronto se estrenarían Brotherhood of Man, de Bobe Cannon, y Robin Hoodlum, hasta Mr Magoo, la estrella de la UPA, creado por Peter Burns.

Se introduce el prototipo de Mighty Mouse en Mouse of Tomorrow, de los Terrytoons, realizados por Paul Terry, quien parodiaba por un lado al Mickey disneyano y por otro al Superman de los Fleischer.

1946: Se estrena finalmente, luego de tres años de trabajo, el primer largometraje animado soviético, El caballito jorobadito, una de las obras maestras de Iván Ivanov-Vanó, llamado “el Walt Disney soviético”. Los negativos del filme se extraviaron y, en 1975, Ivanov-Vanó realizó una nueva versión. Por esta misma época adaptaría otros cuentos rusos: Snegurochka (1952), La liebre valiente (1955), La aventura de Burattino (1959) y muchos otros.

Francesco Guido, de seudónimo Giba, creó el primer corto de animación italiano de la postguerra (L’ultimo sciuscia). Después, alternaría su trabajo como animador con la labor de historietista: Menenio e i petrolieri (1961), Le Papillon (1962), Il racconto della giungla (1973), Il nano e la strega (1974), Scandalosa Gilda (1984), Kim (1994), etc.

Chuck Jones concibe y presenta a Daffy Duck, que luego continuaron otros. Pero su más célebre criatura sería Road Runner (El Correcaminos), inatrapable para su eterno enemigo, El Coyote. En The Dover Boys, de 1942, Jones se adelanta en una estética que luego influiría a la UPA. También dirigió la segunda y tercera apariciones del prototípico Bugs Bunny, que luego perfeccionaría Avery. Es presentado por primera vez Tweetie junto al gato Sylvester, que obtuvieron otro Oscar al mejor animado. Bugs Bunny y Road Runner alcanzaría segunda vida en la televisión (CBS).

Jiri Trnka, dibujante y pintor checo, creó la unidad de animación dentro de los célebres estudios praguenses. Trnka se especializó en la animación de marionetas, muy vinculada al arte tradicional checo. También realizó algunos dibujos animados, aunque su especialidad fueron las marionetas: El año checo (1947) y El ruiseñor del emperador (1949, primer largometraje checo de títeres). Jiri Barta y Svankmajer serían sus continuadores.

1947: Karel Zeman, junto con Jiri Trnka y Jiri Brdecka, el gran maestro de este periodo en la escuela de animación clásica checa, había presentado en 1946 la serie de los Prokuk. Después se suceden Inspiración (1947), El rey Lavra (1951), El tesoro de la isla de los pájaros (1953), Viaje a la prehistoria (1955), etc.

The Brotherhood of Man, de la UPA, fue acusada de racista, pero la presentación exitosa del miope Mr Magoo en Ragtime Bear ocultó la polémica.

Kon Ichikawa realiza la adaptación de la pieza de teatro kabuki Una muchacha en el templo de Dojo, con títeres.

El cortometraje Petit Soldat, de Paul Grimault, consagra internacionalmente a la animación francesa, al alcanzar el premio máximo en Venecia, compartido con un corto de Disney.

1948: Ya en la MGM, trabajando junto a Hanna y Barbera, Tex Avery crea personajes tan famosos de los años cuarenta y cincuenta como Chilly-Willy The Penguin y Droopy The Dog. Este es el llamado periodo dorado de Avery, con sus gags anticonformistas y sus feroces ironías, que le ganaron fama de antiDisney.

Por estos años, Fritz Freleng firmó numerosos cartones de Bugs Bunny, Daffy Duck y Porky; luego se le ocurrió emparejar al Tweety (creado por Bob Clampett) con Sylvester The Cat; se sumó también a las Merrie Melodies, en las cuales se introducían caricaturas de los grandes actores de Hollywood: Gable, Weissmuller, la Hepburn y Harpo Marx, entre otros.

1949: En el Festival de Venecia se presentan los dos primeros largometrajes italianos de animación: I fratelli Dinamite (de Nino Pagot) y La rosa di Bagdad, de Antón Domeneghini.

Crusader Rabbit fue la primera serie de animados pensada para televisión (NBC), realizada por Alex Anderson y Jay Ward (creador del famoso Rocky and Bullwinkle), y primer ejemplo también de la llamada animación limitada.

Avery en la Metro presenta Bad Luck Blackie; en la Warner, Chuck Jones hace debutar al Correcaminos en Fast and Furry-ous; y en la UPA se impone Mister Magoo con The Ragtime Bear, de Jon Hubley.

La presencia de la animación francesa en TV se debe sobre todo a Jean Image, ilustrador de cuentos infantiles, quien produjo numerosos largometrajes, entre otros, Jeannot l’intrepide (1949), Las fabulosas aventuras del barón Fantástico (1979), Aladino y la lámpara maravillosa (1985), y también diversas series, entre las cuales fue famosa Joë chez les abeilles (1960).

1950: Jiri Trnka, el maestro checo de la animación con títeres, marionetas y muñecos tridimensionales, realizó El príncipe Bayaya (1950), Viejas leyendas checas (1953), El bravo soldado Schweik (1954), Sueño de una noche de verano (1959, ficción realizada con títeres), y La mano (1965). En este año, Bretislav Pojar presenta La cabaña de mazapán, y en 1953, Un vaso de más, animación de títeres contra el abuso del alcohol.

Debuta la serie de los Peanuts, que lograría veinte años de éxito mundial para el animador Charles M. Schulz, quien en 1969 comenzó la secuela Charlie Brown y sus amigos. Bill Meléndez continuó la serie en TV y realizó varias secuelas para cine: Charlie Brown Christmas (1965), Charlie Brown Thanksgiving (1973), entre otras.

Se produce el más ambicioso largometraje animado francés de que se tengan noticias hasta este momento: La pastora y el deshollinador, de Paul Grimault, quien se definía como continuador del realismo poético implantado por Jean Renoir y Marcel Carné. Esta versión sería desautorizada por los autores, hasta que en 1979 se transformó en Le roi et l’oiseau.

1951: En la UPA se radicaliza el estilo gráfico, diferenciador no solo de Disney sino también de la Warner y la MGM, desde los principios del arte plástico más moderno y del relato anticonvencional, con Gerald McBoing-Boing, de Robert Cannon.

1952: Neighbours, de Norman McLaren, es uno de los mejores momentos de la animación con seres humanos, con la técnica de la pixilación. Por esta misma época, el realizador le da forma a Around is a Round (1951) y Now is the Time (1951), que fueron dibujos animados estereoscópicos, además de Two Bagatelles (1952, codirigida con Grant Munro) y Blinkity Blank (1955).

Lev Atamanov se suma al notable auge de la animación en la URSS con La bella y la bestia (1952) y La reina de las nieves (1957), en una línea que pudiera llamarse neoclásica y que influiría notablemente a Miyasaki.

El primer ejemplo descollante de animación en Rumanía: El pato, la abeja y la paloma, de Ion Popesco-Gopo; en Bélgica: Historia de fantasmas y El hombre de arena, de Raoul Servais; y en Bulgaria, primer animado en colores, Master Manol, de Dimo Lingurski.

1953: Unicorn in the Garden, de Bill Hurtz, de la UPA, es nominado al Oscar, y al año siguiente es premiado When Magoo Flew, también de la UPA. Llegaron tan lejos que este mismo año se presentó una adaptación de Edgar Allan Poe: The Tell-Tale Heart, que describía complejos estados sicológicos mediante modernos estilos de ilustración. Hasta 1956 dura la venta al por mayor del patrimonio animado de los estudios a la televisión; por ejemplo, Paul Terry vendió los Terrytoons en pleno a CBS.

1954: Luego de tres años de trabajo, el británico John Halas estrena Animal Farm, inspirada en la sátira de la revolución soviética que escribiera George Orwell. Halas sería también presidente de la Animated Film Association, dirigió y produjo la serie Masters of Animation, que presenta los principales aportes de siete mil artistas procedentes de 13 países.

Poderoso Marko (Bulgaria), de Todor Dinov.

1955: James Whitney presenta Yantra, osadía óptica que se planteaba evocar el ascenso espiritual, del mismo modo que lo haría en Lapis, de 1966.

Gumbasia, de Art Clokey, es la novedad en cuanto a la animación con arcilla, que se adelantó además a las serie de televisión sobre Gumby.

1956: Con El robot juguetón, de Dusan Vukotic, se inicia la producción del Estudio de Zagreb, en Yugoslavia, que a la vuelta de unos años ganaría prestigio mundial por su prioridad a los principios de la plástica contemporánea y su estrategia de animación “reducida”.

Nace el Festival de Annecy como una sección especial de Cannes consagrada a la animación, y se instala definitivamente en Annecy en 1960.

1957: What´s Opera Doc? fue puesta en marcha por los caricaturistas de la Warner, sobre todo Chuck Jones y Fritz Freleng. Los historiadores del cine afirman que esta es la obra maestra de este periodo, pues presenta un magistral resumen de El anillo de los nibelungos en un cartoon de seis minutos que parodia la Fantasía disneyana.

Cierra el departamento de animación de la MGM, donde William Hanna y Joseph Barbera se convirtieron en los líderes de la animación en Hollywood. Al desintegrarse la Metro, conformaron la Hanna-Barbera Productions, que trabajó con muchísimo éxito para la TV. Fueron nominados al Oscar por los cortos Good Will to Men (1955) y One Droopy Knight (1957). Joseph Barbera participó como animador en Invitation to the Dance (1957).

En Polonia, Walerian Borowczyk y Jan Lenica proponen una novedosa técnica de collage y de empleo de sonido de modo asincrónico y con fines satíricos, en Érase una vez.

Jiri Trnka realiza primero Viejas leyendas checas (1957) y luego la lujosa Sueño de una noche de verano (1959).

Debutan los maestros suizos de la animación en arena, Gisele y Ernest Ansorge, con Pam et Poum. Vendrían después La danseuse et el mendiant (1958); Les corbeaux (1967), Alunissons (1970), entre muchos otros. En los ochenta produjeron para la televisión.

1958: Se convierte en un hito en la combinación de actores reales y animaciones de diversa índole La invención diabólica, de Karel Zeman, que además se inspiraba en Julio Verne. Zeman continuaría su carrera con otros largos: en 1959, Baron Munchausen, hecho en el estilo de los grabados de Doré; Historia de una locura y Aprendiz de brujo, en 1977.

Debuta uno de los principales artistas de la animación francesa, René Laloux, con la muy notable y surrealista Les dents du singe, realizada por pensionarios de un centro siquiátrico.

1959: Con la serie de los Huckleberry Hound, la Hanna-Barbera introduce la costumbre de la media hora ininterrumpida de dibujos animados, y ocupa por primera vez los horarios estelares al año siguiente con The Flintstones, que se vio en 60 países y fue traducida a 22 idiomas. En estos cartones se priorizaba el guión y el diálogo por encima de la animación per se. Fueron influidos por la UPA y por la Escuela de Zagreb.

Osamu Tezuka trabaja en el largometraje Diario del oeste, acto seguido funda la casa productora Mushi. Tezuka modernizó el manga y consiguió convertirlo en un fenómeno de masas, fue el pionero de la animación televisiva, para la cual realizó la primera serie de dibujos animados vista en Japón. Además de Astro Boy (presentado en 1961) fue el creador, en los años sesenta y setenta, de Kimba, el león blanco, Jungle Taitei, Blackjack, Memory, Broken Down Film, Cyborg 009, El pájaro de fuego y muchas otras.

1001 Arabian Knights, primer largometraje de la UPA, que en este mismo año cierra sus puertas definitivamente.

1960: Witold Giersz se transforma en una de las grandes figuras del animado polaco, sobre todo de miniaturas e incluso de pintura al óleo, con El secreto del viejo castillo (1956); Epigrama de neón (1959); El pequeño oeste (1960); La espera (1962, que fue premiado en Cannes, Moscú y Edimburgo), y muchos otros.

Se estrena I paladini di Francia, de Giulio Gianini y Emanuele Luzzati, los principales animadores de títeres y marionetas en Italia. Ambos directores serían nominados al Oscar por La gazza ladra (1964) y Pulcinella (1973).

1961: Entre los numerosos premios obtenidos por el estudio Zagreb Film, Dusan Vukotic obtuvo el American Academy Award por Surogat, primer no estadounidense ganador de un Oscar en esta categoría. Vukotic era el líder de la producción continua y profesional de cine de animación en Croacia, donde también se nuclearon Vlado Kristl, Aleksandar Marks, Nikola Kostelac y Boris Kolar. Vukotic se había iniciado en 1951 y fue reconocido por El castillo encantado (1952), El vengador (1958), El juego (1963) y otros.

En Polonia, grandes auspicios: Daniel Szczechura es la revelación desde el estudio Se-Ma-For y con el taller de la Academia de Bellas Artes de Varsovia. Dirigió Conflicto (1961), Primero, segundo y tercero (1964), En la calle (1966), Castillo en el bosque (1971), Arena (1973), El problema (1977), Fatamorgana I y II (1981-1983), Historia de una mala época (1997), entre muchos otros.

Allures, de Jordan Belson, establece en la filmografía de este autor la animación vanguardista a partir de la manipulación de luces y la toma continua. Después vendrían Re-Entry (1964), Meditation (1970), Music of the Spheres (1977) y Northern Lights (1983), entre otras del mismo autor, muy en la línea de Lye, McLaren y los hermanos Whitney.

1963: Se impone la animación surrealista y experimental del japonés Yoji Kuri: Locus, Face, Amor, Discovery of Zero, The Chair, son cortos de este año, seguidos por Samurai (1965), The Eggs (1966), Flower (1967), Imagination (1969) y Midnight Parasite (1977).

El ruso naturalizado francés Alexandre Alexeieff se encuentra todavía en plena efervescencia creativa: Le nez se inspira en Gogol reinterpretándolo.

Fritz Freleng le dio vida a La pantera rosa para los créditos de un filme de Blake Edwards; luego se convertiría en una serie de animados que estaría en pleno auge diez años después.

Laberinto y Los rinocerontes son dos de las buenas obras del polaco Jan Lenica, quien trabajara en Polonia junto a Walerian Borowczyk, y durante tres años, hasta 1969, labora en su largo Adán II; después trabaja en Alemania y Francia: Infierno (1973), Ubu Roi (1976), y otros. Borowczyk aportó el pertubador Theatre de M. Mme Kabal (1967) sobre la deshumanización del mundo moderno.

1964: Debuta el influyente animador de marionetas checo Jan Svankmajer con La última broma. Entre sus obras más relevantes se encuentran Jardín (1968), Dimensiones del diálogo (1982) y Diario de Leonardo (1988).

En los próximos diez años, los animadores más populares de la televisión norteamericana fueron Hanna y Barbera, con más de cien filmes bajo su rúbrica, todos dentro de la técnica de animación limitada, en la cual las figuras no son tan flexibles ni los fondos tan ricos. Crearon muchísimos personajes y series muy famosos a partir de los años cincuenta y sesenta: The Flintstones, Yogi Bear, Huckleberry Hound, Pixie y Dixie, Top Cat, y muchos otros.

El polaco Walerian Borowczyk realiza en Francia Les Jeux de anges, aunque en su país ya había hecho filmes experimentales y animados como Sentimientos correspondidos (1957) y La casa (1958), junto a Jan Lenica.

Título señero en la animación española fue La familia Telerín, de Juan Luis Moro, quien realizaría en el 72 La calabaza Ruperta, del programa televisivo 1, 2, 3.

1965: El historietista Nedeljko Dragic dirige su primer corto, Elegía, exploración en un mundo absurdo, de humorísticas paranoias, dentro de la llamada Escuela de Zagreb. Dragic continuaría con los cortos Domador de caballos salvajes (1966), Strip-tease (1969), La puerta (1970) y Tup Tup, de 1972, que obtuvo una nominación al Oscar.

West and Soda es el primer largometraje del italiano Bruno Bozzetto, quien en 1960 había creado al signor Rossi, un personaje que protagonizaría toda una serie de cortos para cine y televisión.

En China reaparecen los Hermanos Wan con Rugido en el cielo, basada en las tradicionales historias protagonizadas por monos.

Aparece como historieta Fritz El Gato, creado por Robert Crump, controvertido dibujante cuyas obras recibieron clasificación de X, y dio inicio al llamado comic underground, junto con el personaje de Mr. Natural, otro hito en el movimiento alternativo.

1966: Osamu Tezuka produce el largometraje El emperador de la jungla, también conocido como Kimba, the White Lion, el primer anime japonés que obtuvo éxito en Estados Unidos. Luego llegaría el sofisticado Cuadros de una exposición (1966).

Iván Ivanov-Vanó estrena Se puede, No se puede, seguido por La leyenda del gigante malvado (1968), Ave María (1972), El lago mágico (1979) y La fábula del zar Saltán (1984), que cierra su filmografía.

Les Escargots, de René Laloux, inicia la cooperación con el prolífico pintor postsurrealista Roland Topor, en una línea onírico-filosófica que se había iniciado con Les temps morts (1964), y alcanzaría su cúspide con la obra maestra de ambos: Le Planete Sauvage (1973).

El checo Jiri Brdecka se encuentra en plena producción: La felicidad del amor (1966), La fuerza del destino (1968), Cerrado por enfermedad (1975), El trigésimo cuarto del príncipe Medenec (1980).

It’s a Great Pumpkin, Charlie Brown fue el primero de la continuación de los Peanuts en televisión. Desde el segundo lustro de los años sesenta, en Estados Unidos la programación de animados se concentra en la mañana del sábado.

La Filmation aporta otra versión de Superman, mientras que Marvel Comics anuncia cinco series concebidas por el proceso de Xeroxing: Ironman, Incredible Hulk, The Mighty Thor, Captain America y SubMariner.

Una joya en la animación española está considerada El mago de los sueños, de Francisco Maciá, quien junto a Cruz Delgado y José Luis Moro se convirtieron en los puntales de la joven animación española, grupo en que se incluyen creadores como Maite Ruiz de Austri, la autora de El regreso del viento norte (1995) y La leyenda del unicornio (2001).

1967: El anglocanadiense George Dunning pone en pantalla la fantasía Yellow Submarine, alarde surrealista en el cual los Beatles se convertían en dibujos animados, que influiría a los animadores del futuro: Balser, Driessen y Alison de Vere, entre otros.

René Goscinny se inspiró en la famosa historieta francesa de Asterix El Galo para concebir series de televisión, largometrajes para cine y recopilaciones en video y DVD.

Tiempo, de Dusan Vukotic, seguido por El hombre y el mundo (1967), Ars Gratia Artis (1970), y otros, hasta Bienvenidos al planeta Tierra (1994), última obra del principal creador de la Escuela de Zagreb.

Pas de deux, de Norman McLaren, abre el ciclo de animaciones dedicadas al mundo de la danza o la plenitud física masculina, a partir de manipulaciones fotográficas de los movimientos, como Ballet Adagio (1972) y Narcissus (1983).

El caricaturista italiano Pino Zac empleó técnicas mixtas de collage, decoupage, fotografía, en sus numerosas sátiras sociales: Il mondo e delle donne (1965), Italia sings Ammore (1966), Viaggio di laggoro (1968), Il dito dell’autorita (1969), Ordine alfabetico (1970).

Primera obra animada en computadora: Cibernetic 5.3, de John Stehura, en el Taller de Animación de la UCLA. En este mismo sentido trabajó John Whitney con Permutations.

1968: El rapto del sol y de la luna, de Sando Reisenbuchler, adapta un poema de Ferenc Juhasz que describe a la humanidad ocupada en resistir frente a un monstruo que intenta destruir el planeta.

Osvaldo Cavandoli crea el famoso personaje La linea, que adquirió enorme popularidad en Italia gracias a la publicidad televisiva, y se convirtió en protagonista de ochenta cortometrajes, premiados en numerosos festivales internacionales.

Dragon Fly es el debut de Taku Furukawa, a quien se deben también los largometrajes El bello planeta (1976) y Coffee Break (1978).

La serie de televisión francesa Shadoks, de Jacques Rouxel, donde se utilizaba un aparato llamado animographe, que permitía reducir el número de imágenes a pintar por segundo. La serie dividió en dos mitades a la opinión pública francesa y causó un gran escándalo.

1969: Grant Munro estuvo trabajando durante décadas vinculado a las mejores obras de McLaren (Vecinos, On the Farm y Canon), y en los años cuarenta había trabajado con papeles recortados y títeres. De su filmografía merecen mencionarse Three Blind Mice (1945), Toys (1966) y Ashes of Doom (1969). En 1977 dirigió Animation Motion, un documental dedicado a los secretos de la animación de McLaren.

Hanna & Barbera estrenan uno de sus personajes más populares: Scooby Doo, que se transformaría en uno de los programas de televisión (ABC) más vistos de toda la historia. En 1972, Joseph Barbera se anotaría otro acierto como productor en Charlotte’s Web. La televisión pública norteamericana inicia los Sesame Street, sobre todo con títeres y marionetas, que probó la posibilidad de entretener y divertir a toda la familia.

La norteamericana Caroline Leaf se convierte en maestra de la animación en arena con Sand- Or Peter and the Wolf. Luego de producir Orfeo (1971) y How Beaver Stole Fire (1971), se asentó en el canadiense National Film Board.

Two Faces fue el debut de Alison de Vere, quien se mantendría muy activa en los años setenta y ochenta: Café-Bar (1975), The Angel and the Soldier Boy (1989).

1970: Frederic Back, una de las leyendas del cine de animación canadiense, consigue su primer gran éxito internacional con Abracadabra (1970), seguido de inmediato por Inon ou la conquete du feu (1971), La creation des oiseaux (1973), Illusion (1974), Tout Rien (1979, que fue nominado al Oscar) y Crac, de 1983, seleccionado como una de las seis obras maestras de la animación en la Olimpiada de este disciplina, celebrada en Los Angeles.

Boris Stepantsev se añadió a la pléyade de artistas del dibujo animado soviético: El regreso de Karlson (1970) y Cascanueces (1973).

Fujiko F. Fujio crea el personaje de Doraemon, un felino robot azul que habita el siglo XXII y siempre se está riendo. Fue primero serie de televisión, y luego tuvo incursiones cinematográficas.

A su regreso de Gran Bretaña, el holandés Paul Driessen realiza en su país The Story of Little John Bailey, y este mismo año se va a trabajar en Canadá.

1971: Ralph Bakshi destacó como director de Fritz The Cat, una obra sexualmente explícita que fue el primer animado clasificado X en Estados Unidos. Luego llegó la controversia racial de Coonskin (1975), seguida por Heavy Traffic (1973), Wizards (1977) y Lord of the Rings (1978), todos los cuales intentaron giros realistas y controversiales en la animación.

Se funda en Hungría los estudios Pannonia especializado en cortos, largos y series de animación, para cine y televisión. En 1980 alcanzarían el Oscar de la categoría por La mosca, de Ferenc Rofusz.

En The Andrómeda Strain se utiliza por primera vez la animación por computadora en un filme de ficción, dedicado por supuesto a subrayar los efectos especiales, práctica común en esta época.

1972: Alcanza máxima intensidad el debate mundial sobre el efecto que tiene sobre los niños la violencia de los animados televisivos. Unos afirman que los niños saben distinguir como artificial el mundo de la animación; otros postulan que el auditorio infantil imita estas actitudes violentas.

Tableaux d’una exposition, hermoso corto de diez minutos inspirado en Mussorgski, del veterano Alexandre Alexeieff.

Mágica aventura se titula el primer largometraje del español Cruz Delgado, quien venía realizando cortos desde 1964, fue premiado en Gijón y Odense.

Primer largometraje animado producido en Australia: Marco Polo Jr vs. The Red Dragon. El primer estudio de dibujos animados australiano fue abierto en 1958.

1973: Le Planete Sauvage vuelve a unir las artes de René Laloux y Roland Topor, ahora en un largometraje, obra maestra de la animación de todos los tiempos. Coproducción franco-checa, adoptó la técnica de “papier découpé”, para conservar los grafismos de Topor. A pesar de las barreras burocráticas y financieras, el filme fue un éxito, ejemplo de animación culta, y recibió un premio principal del festival de Cannes.

El húngaro Marcell Jankovics describe en Sísifo la batalla de Hércules para llevar un bloque a la cima de una montaña, mientras ensayaba el poder de las líneas puras a la hora de expresar la ilusión de peso, tensión, esfuerzo.

Eiichi Yamamoto realiza Belladonna, sorprendente mezcla de erotismo, fantasía, ambición artística, cine de autor o de culto y arte pop.

John Whitney acomete la serie Matrix (1971-72), luego Arabesco (1975) y el video clip Hard Woman, de Mick Jagger, en 1985.

1975: Garri Bardine, antiguo director del teatro de marionetas, debuta en la animación con El fin del cielo. Bardine sería uno de los principales directores y guionistas de la célebre Soyuzmultfilm (El tarro de conserva, Peckin-Lavockin, La nave volante) a todo lo largo de los años setenta, y en los ochenta probó la animación tridimensional de objetos, títeres y marionetas de diversos materiales: El lobo gris y la caperucita roja (1990).

En Japón funciona la Universidad del Manga, creada por Kazu Koike, donde se asentaron las bases de una gran industria en el anime. Allí nacieron series de gran éxito como Mazinger (Go Nagai), Heidi (Hayao Miyazaki), Marco, Doraemon, Gundam y Galaxy Express 999.

El dibujante belga conocido con el sobrenombre de Picha se hizo famoso en buena parte del mundo por el erotismo de sus Trucos animados para adultos, y luego por una versión pornoanimada de Tarzán; en 1980 hizo El miembro caído.

George Lucas funda la Industrial Light and Magic, que emplearía diversos recursos de la animación, incluso en computadora, aplicada a los efectos especiales de los filmes de ficción.

Se inicia una vida de veinte años para el programa de la televisión italiana titulado Carosello, diez minutos diarios de anuncios resueltos con animación a partir de dibujos, personajes de stop motion e ingeniosas técnicas experimentales.

1976: La cadena de televisión británica ITC, junto con la Henson Associates (de Jim Henson), produce el célebre Muppet Show, uno de los más célebres programas de televisión de todos los tiempos, centralizado por títeres y marionetas tan famosos como la rana Kermit, la cerdita Peggy, Gonzo, y muchos otros. En 1979 apareció el primer filme, The Muppet Movie, que no sería el único: Muppets Take Manhattan (1984), Muppet Christmas Carol (1992), Muppet Treasure Island (1996) y Muppet from Space (1999).

Caroline Leaf alcanza fama internacional con The Street, concebida desde la animación experimental (pintura sobre cristal). Dirigiría luego The Metamorphosis of Mr. Samsa (1977) y Le tigre et le renard (1986), entre otros.

El maestro de la animación de títeres Kikachiro Kawamoto entrega El templo Dojoji, otra de sus exploraciones en las tradiciones mitológicas y artísticas de Japón, al igual que en las notables La diablesa (1972) y La casa en llamas (1979)

1977: La explosión experimental de una bomba atómica por el gobierno indio es recontada estéticamente en Bead Game, de Ishu Patel.

Criaturas de arena crean su propio hogar en The Sandcastle, de Co Hoedeman.

Allegro nom troppo es el segundo y más exitoso largometraje del realizador italiano Bruno Bozzetto, quien trabajó sobre todo para la televisión, pero su Cavallette (1991) fue nominado al Oscar, y su Mister Tao (1993) alcanzó el Oso de Oro en Berlín.

1978: Satiemania es la evocación erótica y grotesca de Zdenko Gasparovic de una imaginería gráfica a partir de las piezas para piano de Satie, percibidas desde el inconsciente y desde los sentimientos inarticulados.

Pica Don es el corto más famoso del matrimonio de artistas japoneses Sayoko y Renzo Kinoshita, quienes fundaron el importante festival de Hiroshima, uno de los más importantes en la especialidad de animación.

Brillante evocación de la estrecha relación entre horror y humor fue Harpya, del belga Raoul Servais, quien trabajó en los más diversos estilos: Chromophobia (1965) y Sirena (1968) se encuentran entre sus mejores obras.

Cruz Delgado entrega su segundo largometraje: El desván de la fantasía, en colaboración con el ilustrador José Ramón Sánchez. Cruz Delgado se dedicaría entre 1979 y 1981 a construir una serie televisiva animada de 39 capítulos sobre Don Quijote de la Mancha, de gran éxito internacional. En la misma línea, años después, José Pozo realizó La leyenda del Cid.

Espárrago, de Suzan Pitt, explora el proceso creativo de las mujeres a través de vívidos colores y sugerentes formas.

1979: El rey y el pájaro, del francés Paul Grimault, clasificó como uno de los mejores animados de todos los tiempos, por su desbordante fantasía óptica inspirada en Andersen. Con textos de Jacques Prevert y un trabajo que abarcó tres décadas, el filme destacó por su lirismo y su contenido humanista.

Dream Doll, de Zlatko Grgic. Parte de Zagreb Film, Grgic creó al doctor Baltasar, protagonista de una famosa serie de televisión yugoslava. En los años ochenta emigra a Canadá.

Motivos folclóricos y ancestrales se descubren en la animación china, como en los largos Triunfos de Nezha sobre el Rey Dragón (1979), de Xu Jingda, y Snipe Clam Grapple (1984), de Hu Jinqing.

La encuesta sicológica con matices oníricos y la relación entre feminidad y las narrativas míticas, son las esencias de la obra de Alison de Vere: Two Faces (1969), Café Bar (1975), Mr Pascal (1979), The Black Dog (1987).

1980: Yuri Norstein termina El cuento de los cuentos, considerada la más grande película de animación jamás realizada. Ya era muy conocido como el Tarkovski del dibujo animado gracias al fuerte componente reflexivo y ético de obras como 25, el primer día (1968), Estaciones (1970), La zorra y la liebre (1973), La garza y la cigüeña (1974) y El erizo en la niebla (1975), entre otras.

Casi siempre inspirado en sus propias historietas, Osamu Tezaka, pionero del anime, produce el largometraje 2772, zona cósmica del amor.

1981: Ralph Bakshi termina la sátira histórico-musical American Pop (1981), otro de sus filmes concebidos para adultos, pues asumen temas que no se asocian regularmente a los dibujos animados.

El productor y guionista francés Jean Chalopin, en asociación con Nina Wolmark (más tarde la creadora de Mondes Engloutis), realiza Ulises 31, el primer animado en coproducción de Francia y Japón. Por la parte japonesa, participó Shingo Araki, quien sería célebre por Lady Oscar.

Licantropía fue el debut del polaco Piotr Dumala, graduado en la Academia de Bellas Artes de Varsovia, y luego consagrado con Capucha negra (1983), Suave (1985) y Franz Kafka (1991), entre otros.

Les maitres du temps es otro largometraje de René Laloux, esta vez con diseño del famoso dibujante de ciencia ficción Moebius y de Jean Giraud, con suntuosos decorados y extrañas criaturas. Laloux todavía produciría un último largometraje, Gandahar, en 1987, realizado en Corea del Norte, con dibujos de Philippe Caza y música de Gabriel Yared.

1982: Fuga imaginativa con numerosos actores reales, animados por la técnica del cut-out, Tango, de Zbigniew Rybczynski, explora los ciclos de la vida humana, en actos rutinarios y excepcionales, en tanto coloca al mismo compás eventos cuya posible relación debe ser descubierta por el espectador. Obtuvo el Oscar.

Después del éxito de Ulises 31, el francés Jean Chalopin hace en Japón series de éxito mundial como Les entrechats, Les Minipouss, Jayce et les Conquerants de la Lumiere, sin olvidar L’Inspecteur Gadget, creado y realizado por Bruno Bianchi.

Diseñador, layout man, dibujante de story board y director para la Pannonia húngara, Pal Toth, realiza la serie de televisión Leo y Fred. En 1986 llegaría Cómo se hace un cartoon y diez años después, Canción de la tarde.

Dimensiones del diálogo, de Jan Svankmajer, es una obra maestra en cuanto a su carácter de alegoría política y al modo en que asume el mundo representacional del famoso pintor Arcimboldo. Confirmaría su maestría con La muerte del estalinismo en Bohemia (1988) y Los conspiradores del placer (1996).

El filme de ficción The Last Starfighter incluye 25 minutos de animación generada en computadora, como mismo había ocurrido con los efectos especiales y la dirección de arte de Tron y de Star Trek: The Wrath of Khan.

1983: Jan Svankmajer se va convirtiendo en la figura principal de la animación en Europa del Este. Svankmajer generó poderosa influencia, sobre todo en animadores posteriores, como los norteamericanos hermanos Quay.

Van apareciendo los primeros OVAs (Original Video Animation) en los cuales se incluyeron Doctor Slump, Macross y Dragon Ball, esta última aparecida como manga en 1984, en la revista Shonen Jump, con más seis millones de ejemplares semanales.

El soviético Eduard Nazarov alcanza el punto máximo de calidad en su obra con Había una vez un perro y La hormiga viajera. Mientras, el georgiano David Takajsvili alcanza el Gran Premio en Cannes por La peste.

Hayao Miyazaki es el Kurosawa del dibujo animado, según el crítico norteamericano Richard Corliss; a él se deben El castillo de Cagliostro (1979), Lupin III (1980), Nausicaa del Valle del Viento (1984), Laputa, la isla volante (1986), Mi vecino Totoro (1988), Porco Rosso (1992), acerca de protagonistas heroicos, humanistas, atrapados entre el Japón tradicional y el postmoderno.

El español Cruz Delgado entrega su tercer largometraje, Viajes de Gulliver, y en el 88 realiza Los cuatro músicos de Bremen.

1985: Los japoneses producen unas 400 series animadas para la televisión cada año, además de unos 25 largos para cine y unos 70 para video, todo lo cual hace que crezca la contratación con estudios de Corea del Sur y se distribuyan más de cien títulos al año de animados pornográficos.

Young Sherlock Holmes fue el primer filme de ficción en presentar a un personaje completamente generado (animado) en computadora.

Se estrena en la televisión húngara la serie animada de Zeno, que se mantendría hasta 1988, y había sido creada por el animador Ferenc Cako, quien solía trabajar la tridimensionalidad, la profundidad y el claroscuro con la técnica de la plastilina y de la arena: Arcilla criminal (1981), Autotortura (1982), Cenizas (1994), La canción de la arena (1995).

Debuta el animador portugués Alvaro Feijo con Oh, que calma, seguido por Fantasporto (1988), Los salteadores (1993) y Fado lusitano (1995); mientras que Holanda gana el Oscar de la categoría por Anna y Bella, de Borge Ring, y al año siguiente lo consigue Bélgica por Una tragedia griega, de Nicole van Goethem.

El polaco Zbigniew Rybczynski se inclina a la manipulación del cine con personajes de carne y hueso en Escalones (1987), La cuarta dimensión (1988), La orquesta (1990) y videoclips para Pet Shop Boys, Lou Reed, Simple Minds, Mick Jagger, el famoso Imagine, de John Lennon, Supertramp, y otros.

Se instituye en el Festival de Annecy el Marché International du Film d’Animation (MIFA), con frecuencia bianual, y que permite vender, comprar y producir obras de animación concebidas para el cine o la TV.

1986: Adaptación de un cuento de Bruno Schulz, Street of Crocodiles, de los hermanos Quay (Stephen y Timothy), compromete a sus autores con la animación antinarrativa, pues se apoya en objetos y entornos reales que son re-animados. Algunos de sus mejores filmes serían el video clip de Peter Gabriel Sledgehammer; las series de Stille Nacht (1988-1993); The Pond (1988) y The Caligrapher (1991), entre otros. Los Quay declaran como su maestro al checo Svankmajer, al cual le dedicaron un filme en 1984.

Ya independiente, Don Bluth continúa lo que aprendió en la Disney, con las secuencias animadas de Xanadú (1980) y varios largometrajes con Fox: An American Tail (1986) producido por Spielberg, The Land Before Time (1988) y All Dogs Go to Heaven (1989).

Historia de un guerrero que logra rechazar a los invasores, The Flying Horse, del norcoreano Kim Li Sung, tuvo éxito internacional, como también lo tenía el estudio surcoreano de Dong-Seo (Este-Oeste), donde se ponían en pantalla historias de casi todo el mundo, gracias a la amplitud de su personal especializado, y a la optimización de los recursos.

Mediante la nominación al Oscar de Your Face, se da a conocer al gran público el trabajo de Bill Plympton, iconoclasta y anticonvencional animador que en 1992 realizó su primer largometraje: The Tune.

When the Wind Blows, de Jimmy Murakami, confirma las credenciales de animación comprometida políticamente y satírica que ya había cultivado con The Top (1965), Good Friends (1969) y Death of a Bullet (1979).

1988: Who Framed Roger Rabbit?, en 1988, celebraba la Era Dorada de los cartoons, sobre todo de la Warner, así como del cine negro. Con su mezcla de cartoons y actores de carne y hueso, impresionó a todos los públicos. Chuck Jones fue consultante en este homenaje de Robert Zemeckis a los animadores de los años cuarenta que tanto influyeron a Spielberg, Joe Dante o al propio Zemeckis.

Katsuhiro Otomo presenta al guerrero adolescente Akira, encarnación del anime japonés por su espíritu antiDisney, su deuda con las historietas japonesas (manga) y su culto a las máquinas y al futurismo. Otomo era el autor de la historieta en la cual se basaba Akira, y también del guión del filme.

El checo Jan Svankmajer alcanza celebridad con una versión de Alicia en el país de las maravillas, titulada Alicia (1988), en la cual mezclaba animación con escenas reales, en un estilo surrealista y a menudo macabro, que le debe mucho a las visiones de Kafka y de Buñuel.

L´Homme qui plantait des arbres, del canadiense Frederic Back, ganó unos cuarenta premios internacionales, así como el Oscar al mejor animado del año; después vendría Le Fleuve aux grandes eaux (1993), que recibió el gran premio en el Festival de Annecy y también fue nominado al Oscar.

1989: Body Beautiful, de Joanna Quinn (Girl’s Night Out, 1986; Britannia, 1996), reafirmó la entronización de una estética y un concepto femenino en el grupo de animadoras de vanguardia británicas, entre las cuales se encontraban Candy Guard, Erica Russell, Sarah Kennedy, Marjut Rimmenen y Ruth Lingford.

Picnic en la hierba era un pastiche imaginativo a partir de Manet, concebido por el estoniano Priit Pärn, relativo al autoritarismo soviético. Su filme anterior, Algunos ejercicios para una vida independiente (1980), se relaciona con la autoridad en el seno de la familia, al igual que El triángulo, de 1981.

En dos películas de James Cameron, The Abyss y Terminator 2, se emplea extensivamente la animación en computadora, de la Industrial Light and Magic, para crear seres líquidos o con seudópodos.

Tin Toy, de John Lasseter y William Reeves, fue el primer dibujo animado generado en computadora que ganó un premio Oscar; producía la más tarde célebre Pixar.

1990: The Simpsons había comenzado en 1987 como spots en el Show de Tracey Ullman, y pronto se instituyó como la expresión suprema del sit-com norteamericano en dibujo animado; criticó la familia y las instituciones sociales y recuperó el horario estelar televisivo, que no ocupaba una producción animada desde The Flintstones.

El Oscar corresponde este año al alemán Balance, de Wolfgang y Christopher Lauenstein, y este mismo país volvería a ganar el galardón seis años después con Quest, de Tyron Montgomery y Thomas Stellman.

1991: Le Crapaud chez ses Beaux Parents, del zairense Kibusi Ndjate Wooto, emplea las fábulas de animales para insertar ideas sobre la herencia cultural africana y la simbólica relación entre el hombre y la naturaleza.

El corto Creature Conforts, del británico Nick Park, hace famosos a los muñecos tridimensionales de arcilla llamados Wallace y Gromit. En 1994 y 1998, otros dos cortos con los mismos protagonistas, Wrong Trousers y A Close Shave, obtendrían sendos premios Oscar en su categoría.

1992: El dibujante de comics Yoshito Usui crea el personaje de Shin Chan, un niño con una familia disfuncional y chistes tan ácidos que solo pueden ser comprendidos por los adultos; en este año aparece el primer largometraje, y no el único, de una serie que fue censurada por muchas televisoras.

Cartoon Network inicia sus trasmisiones en dos millones de hogares norteamericanos; tres años después, alcanzaría los 22 millones de suscripciones.

1993: Henry Selick es uno de los pocos practicantes contemporáneos de la animación de modelos cuadro a cuadro, en vertiente vanguardista, como el checo Svankmajer y los hermanos Quay. Su gran éxito llegó cuando Tim Burton lo escogió para darle vida a las extrañas criaturas de Nightmare before Christmas; después trabajaron juntos de nuevo en la adaptación del clásico de Roald Dahl James y el melocotón gigante (1996).

Reboot fue la primera serie de televisión completamente animada en computadora. Sus autores, Ian Pearson, Gavin Blair y Phil Mitchell, han visto eclipsado su mérito ante los triunfos en similar disciplina de John Lasseter para la Pixar.

1994: El checo Svankmajer realiza Lección Fausto, donde vuelve a combinar actores con animación. Dos años después, repite la experiencia con Conspiradores del placer.

Don Bluth hizo el guión para la nueva versión de Thumbelina, aproximación al clásico de Hans Christian Andersen, con canciones de Barry Manilow y producción en Fox de Gary Goldman, con quien Don Bluth ha trabajado frecuentemente. Muy en la línea clásica de Disney estaba también Swan Princess, inspirada en El lago de los cisnes y con dirección de Richard Rich.

Andrei Khrzhanovsky se consagra cual poeta entre los grandes del animado ruso con El león barbagris; antes había aportado críticas a la burocracia como Allá vivía un hombre llamado Kozyavin (1966) y la trilogía de Pushkin: Estoy todavía contigo (1980)

1995: Universal, con producción de Spielberg, presentó al perro-lobo fiel a los humanos que se llamaba Balto; dirigía Simon Wells (el de American Tail: Fieves Goes West).

La unión entre Time Warner y Turner hace que se fundan en una sola compañía Warner Brothers de filmes de ficción, televisión y animados, con Hanna-Barbera y Cartoon Network.

Ghost in the Shell, de Mamuro Oshii, marcó una nueva etapa en el anime japonés, desde el estudio Production IG, con nuevos conceptos en color y en diseño, además del uso de la tecnología digital. Jin Roh y Blood fueron éxitos en similar estilo.

The Thief and the Cobbler, de Richard Williams, representó una inversión de treinta años destrozada por editores y distribuidores, lo cual empañó las intenciones originales del autor.

1996: Exitoso estreno del primer largometraje de Beavis and Butt-head Do America, iconos televisivos de la neo-animación feísta y desaliñada predominante en estos años. Mike Judge es el creador y llevó a las últimas consecuencias la llamada animación limitada, que apoyaba la cadena MTV.

Fox entra en liza contra la Disney con Anastasia, codirigida por Don Bluth y Gary Goldman, quienes intentaron restaurar la animación clásica disneyana, a la cual ya no era fiel ni siquiera la propia Factoría. Hicieron seguidamente otro largo: The Magnificent Bartok, protagonizada por un murciélago que aparecía en Anastasia.

El largometraje italiano La flecha azul le da continuidad a la obra de uno de los más destacados animadores europeos: Enzo D’Aló, conocido por Pimpa (1991), Kamillo Kromo (1993), La gabbianella e il gatto (1998) y Momo (2001).

1997: Estreno de La princesa Mononoke, obra maestra de Hayao Miyazaki, en los estudios Ghibli, que se transformó en el mayor éxito de taquilla en la historia del cine japonés, fuera y dentro del país, y demostró una vez más la posibilidad de que el animado se acercara a temas filosóficos, trascendentales, adultos, casi siempre puestos en relación con la inocencia infantil. Mientras, Perfect Blue, de Satoshi Kon, reconfiguraba el animé mediante la exploración en las paranoias y desilusiones de las celebridades.

El pintor, escultor, escenógrafo y animador experimental belga Manuel Gómez presenta el largometraje Peccato, que reunía sus cortos anteriores sobre los siete pecados capitales (Invidia, Superbia, etc).

Bill Plympton se inspiraba en Tex Avery, en el Disney de los sesenta y en el anime de acción para sus exploraciones en el sexo y la violencia. Entre sus obras más famosas y críticas se cuentan 25 Ways to Give Up Smoking (1989), I Married a Strange Person (1997), Sex and Violence (1998) y Mutant Aliens (2001).

Eric Darnell y Tim Johnston dirigen Antz, animado de computadora con postulación para adultos, que recuerda el enfoque filosófico y crítico de Woody Allen, quien le prestó su voz, su físico y personalidad al protagonista, acompañado por Sharon Stone, Gene Hackman y Sylvester Stallone. Disney-Pixar le respondió con Bug’s Life, de John Lasseter.

El Festival de Annecy se convierte en la Meca del dibujo animado mundial; recibe a 4 500 profesionales de 70 países y proyecta 270 títulos. Este año el Mercado de filmes de animación adquiere frecuencia anual, por crecimiento de los mercados mundiales, y se amplía a juegos de video y programas multimediales.

1998: Se estrena el primer largometraje animado de DreamWorks, The Prince of Egypt, inspirado fielmente en el nacimiento de la nación judía según la Biblia.

La Warner ataca el predominio Disney con Quest for Camelot, de Frederick du Chau, que derivó de aquella estética y se ambientaba en un mundo medieval un tanto oscuro para los niños pequeños. El tema lo cantaba Celine Dion y Andrea Bocelli y pretendía competir con la "magia Menken" impuesta en la Disney.

Kirikou et la sorciere fue la punta de lanza de la nueva animación en Francia (tercer productor mundial luego de Estados Unidos y Japón, pero que en los últimos años no ofrecía demostraciones importantes). Dirigido por Michel Ocelot, es un cuento simbólico lleno de colorido y magia sobre la victoria de un niño frente a un adulto. La banda sonora del filme estuvo elaborada por el músico africano Youssou N'Dour.


Aparece el primer filme de Pokemon, codirigido por Kininiko Yuyama y Michael Haigney, también a cargo de las dos secuelas: Pokemon The Movie 2000 y Pokemon 3: The Movie (2001). Los tres filmes versionaban el juego de video, la serie de televisión y el juego de naipes coleccionables. En 2001 aparece también en el cine Digimon (de Mamoru Hosoda), el gran competidor de Pokemon.

La tumba de las luciérnagas, de Isao Takahata, ambientada en la II Guerra Mundial, que se distingue por su atmósfera sombría y pesimista.

1999: South Park: Bigger, Longer and Uncut, dirigido por Trey Parker y Matt Stone, es aguda sátira a la vida norteamericana, dedicada a los adultos y a los jóvenes, que recoge los famosos caracteres de las series televisivas, con su antinaturalismo, su descuido intencional, su carencia de una ética precisa. Demuestra la sublimación de la grosería, la difamación, la escatalogía y el mal gusto.

Matt Groening con The Simpsons y Futurama; John Kricfalusi mediante Red y Stimpy; Genndy Tatakovsky con Samurai Jack, representan el arribo de una nueva generación en los animados televisivos norteamericanos.

John Minkoff, después de trabajar para la Disney como diseñador de personajes (Basil, Ursula), dirigió dos cortos protagonizados por Roger Rabbit, codirigió Lion King, y luego, con la Columbia/Sony, continuó abriendo las vías para la animación infográfica hiperrealista con Stuart Little.

En Francia fueron vistas sucesivamente El castillo de los monos, Babar y L’enfant au grelot, todos los cuales continuaban el camino abierto por Le monde est un grand chlem en 1996 y por Kirikou, el año anterior.

Stuart Little combina acción real con animación en computadora, encargada de darle vida al ratoncito protagonista, que se integra totalmente con el medio fictivo.

Walking with Dinosaurs fue una serie didáctica animada presentada cual falso documental televisivo.

Se fortalece la tendencia a versionar dibujos animados con actores: Flintstones (1994), Mr Magoo (1997); George of the Jungle (1998); Inspector Gadget (1999); Rocky y Bullwinkle (2000) y Scooby Doo (2001), con el perro diseñado en computadora, entre otras.

Barry Purves construye con títeres el biopic animado de Gilbert and Sullivan.

2000: La animación en internet crece exponencialmente. El estudio Icebox, de animación online, presenta la subversiva Zombie College, de Eric Kaplan, mientras Unbound Studios consolida el trabajo online mediante su Nickelodeon.

El fracaso de Titan AE, de Don Bluth y Gary Goldman, con su trama de ciencia ficción sobre un muchacho que es la esperanza de salvación de toda la especie, fue el causante de la clausura de la unidad de animación de la Fox.

El británico Nick Park codirige con Peter Lord su primer largometraje, la hilarante Chicken Run, apoyada por DreamWorks y con modelos tridimensionales de arcilla movidos en stop motion y la voz de Mel Gibson a la cabeza del reparto.

DreamWorks se empeñó en competir con la Disney en sus mismos temas: los insectos computarizados (Antz y Bug´s Life) y luego el mundo mitológico latinoamericano en Emperor’s New Groove y The Road to El Dorado.

El veterano animador británico Bob Godfrey ofrece nuevas señales de vigor con The Many Lives of Norman Spittal y Millennium-The Musical, que se añaden a la famosa Kama Sutre Rides Again, de 1971.

Father and Daughter, de Michael Dudok de Wit, es una fábula sobre la devoción y la memoria en un estilo gráfico muy simple, que invoca la importancia del tiempo, como también ocurre con su anterior The Monk and the Fish, de 1996.

Simbad: Beyond the Valley of the Mists es el primer largometraje producido por la firma de la India Pentamedia con el procedimiento del motion capture, que captura el movimiento humano en rotoscopado de computadora.


2001: DreamWorks se anota uno de los mayores éxitos en la historia de los dibujos animados: Shrek, de Andrew Adamson y Vicky Jenson, con la historia del ogro verde (Mike Myers) y el burro latoso (Eddy Murphy) que rescatan a la anticonvencional princesa (Cameron Díaz) para el matrimonio. Sátira, parodia, retorcimiento de los roles en los cuentos de hadas convencionales, pastiche e intertextualidad a todo trapo.

Acontecimiento mundial de Final Fantasy: The Spirits Within, de Hironobu Sakaguchi, un largo de ficción completamente concebido en computadora, empleando la técnica de la animación fotorrealista, que recuerda la estética de los juegos de video, junto con el procedimiento llamado “motion capture”.

Waking Life, de Richard Linklater, transfiere las imágenes reales a figuras animadas mediante ordenador (la animación fue dirigida por Bob Sabiston), en una proposición insólita en lo sensorial y en lo filosófico.

Nueve largometrajes animados son elegibles por primera vez para el Oscar a la mejor película del año: Final Fantasy: The Spirits Within, Jimmy Neutron: Boy Genius, Marco Polo: Return to Xanadú, Monsters Inc., Osmosis Jones, The Trumpet of the Swan, The Prince of Light, Waking Life y Shrek; este último fue el primer largometraje animado ganador de un Oscar, derrotando a su más cercana competidora Monster Inc., de la Pixar/Disney.

Gorillaz, de Damon Albam, recoge la tradición del animado de convertirse en vehículo para promover canciones populares, como ocurriera en un sinfín de oportunidades.

Para llevar a dibujo animado la historieta de Osamu Tezuka, Metrópolis, se unieron dos directores, Rintaro y Katsuhiro Otomo, en un cuento adulto de ciencia ficción, donde no falta el barroquismo urbanístico high-tech.

2002: El viaje de Chihiro, de Hayao Miyazaki, demuestra mundialmente la madurez del anime; ganó el máximo premio en Berlín y el Oscar, derrotando a los pesos pesados norteamericanos: Lilo and Stitch, Spirit: Stallion of the Cimarron, Ice Age y Treasure Planet, esta última de Ron Clements y John Musker, los creadores de La sirenita y Aladino, que parecían haber perdido su toque mágico.

Después de The Prince of Egypt y The Road to El Dorado, la DreamWorks se anota el tercer intento en dibujo animado tradicional y en la línea Disney, Spirit: Stallion of the Cimarron, de Jeffrey Katzenberg, con guión de John Fusco (en la tradición del oeste y de Jack London), la voz de Matt Damon y música de Hans Zimmer y Bryan Adams.

Fox se anota su primer gran éxito en el gran auge de la animación. Ice Age, de Chris Wedge, fue realizada en ordenador y se ambienta en la prehistoria de mamuts y glaciaciones, en una historia de solidaridad, humanismo y ecología.

Aparece la primera versión coreana del anime con gran éxito, Wonderful Days, que recurre a técnicas tan distintas como el dibujo en 3D, en 2D y a la miniaturización.

Gabor Csupo, creador de los Rugrats, aporta al cine The Wild Thornberrys, que antes habían pasado por la televisión. También debutan en la pantalla grande las Powerpuffs Girls, de Craig McCracken. Ambos realizadores se movían en la línea de Bill Plympton y la clásica UPA, del pop y de Yellow Submarine.

2003: Les Triplettes de Belleville, de Sylvain Chomet, consiguió un éxito mundial muy raro para un dibujo animado francés (dos nominaciones al Oscar, nominado para los BAFTA, tres nominaciones para los César); fue pensado cual tributo a una cierta idea tradicional sobre Francia y lo francés, y como sátira a los estereotipos nacionales sobre Estados Unidos.

DreamWorks presenta el filme fantástico y de aventuras Simbad: Legend of the Seven Seas, de Patrick Gilmore y Tim Jonson (este último codirector también de Antz). Los fondos y los montruos se crearon en computadora, pero las figuras humanas fueron dibujadas a mano. Cualquier semejanza con Simbad: Beyond the Valley of the Mists (2000), de Pentamedia (India), es pura coincidencia.

La colina del dragón, dirigida por Miguel Izquierdo, es uno de los más importantes esfuerzos de la animación española en los últimos años. Otros a mencionar: el paseo por la historia que se dan los niños de Puerta del tiempo, dirigido por Pedro E. Delgado, y las adaptaciones de Washington Irving emprendidas por Juanba Berasategi en dos largos recientes: Ahmed, el príncipe de la Alambra y El embrujo del sur.

Katsuhiro Otomo estrena, luego de siete años sin dirigir un largo, el animado retrofuturístico Steamboy.

The Magic Pudding representa el marcaje de los australianos en el gran auge internacional de la animación mediante la adaptación de un cuento clásico infantil de Norman Lindsay, y las voces de Sam Nelly y Geoffrey Rush.

Animatrix reciclaba los personajes de Matrix, el filme de los hermanos Wachowski, en nueve cortometrajes animados por ordenador y con el look del anime japonés, aprovechando el imaginario cyberpunk del cual bebía su antecesora de imagen real.

2004: La secuela de Shrek funciona en taquilla todavía mejor que la primera parte. La coartífice del primer Shrek, Vicky Jenson, se unió a Bibo Bergeron, de DreamWorks, para producir Shark Tale, cuya estética recordaba a la formidable Finding Nemo.

El castillo ambulante es el nuevo filme de Hayao Miyazaki, que rebosa de magos, brujas, demonios y muchos otros elementos fantásticos.

Los franceses decidieron continuar adaptando sus valores culturales y literarios con Corto Maltese: La cour secrete des

Arcanes (Pascal Morelli), mientras se apuntaban a la moda digital con Kaena: La Prophetie (Chris Delaporte y Pascal Pinon). Mientras, los británicos aportaron Valiant, de Graham Chapman, sobre una paloma mensajera en la II Guerra Mundial, y los españoles, Nocturna, una fantasía de Víctor Maldonado y Adrián García; ambas remarcaron la preeminencia de la animación digital.

Robert Zemeckis rodó Polar Express con actores (Tom Hanks) y luego captó sus movimientos en un programa informático atendido por expertos de animación digital que convirtieron imágenes reales en dibujos animados. Mientras, Chris Wedge (Ice Age) entrega un mundo poblado de Robots, y se realiza la versión futurista y computarizada Pinocchio 3000

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